INAUGURAN TRAZO, EXTENSIÓN DEL PENSAMIENTO

Reúnen el talento de seis artistas   Cada obra enmarca la propuesta y sentimiento de los pintores; la exposición estará abierta hasta el 19 de abril en la galería del CCU Mónica DELGADO May Zindel, José Lazcarro, Rodrigo Vicencio, Sergio Abarca, Marco Calderón y Gerardo Ramos Brito, reúnen sus obras en la exposición colectiva Trazo, Extensión del Pensamiento, la cual permanecerá abierta hasta el próximo 19 de abril en la Galería de Arte del Complejo Cultural Universitario (CCU) de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla (BUAP). La coordinadora del área de Artes Plásticas y Audiovisuales (Arpa), Adriana Alonso Rivera, fue la encargada del montaje de la exposición y resumió la muestra como: “El común denominador que tienen todos los artistas de esta exposición es partir desde un mismo punto que en este caso es el trazo”. Artista: May Zindel Obra: Serie pupitres II (2015) Técnica: Ready-made Pupitres de madera encontrados La artista May Zindel exhibe su obra Pupitres, la cual se compone de un total de 16 paletas de los escritorios pertenecientes a alumnos de la Escuela de Antropología y de la Escuela Normal Superior, piezas que donó la BUAP a Zindel con este fin. “Estos forman parte de la memoria de todos, creo que todos alguna vez escribimos sobre nuestro pupitre, dibujamos un corazoncito”, explicó la artista, quien además durante la inauguración, invitó al público a sentir las texturas y hendiduras que se encuentran en cada uno de los pupitres, pues aseguró que “la obra completa un ciclo al dejar la marca o huella del mismo espectador”, convicción que la llevó a colocar algunas de las paletas de pupitre expuestas lo más cercanas al piso, esto con la intención de que los niños que visiten la exposición, puedan ver y tocarlas, o los adultos recuerden su tiempo estudiantil. Artista: Rodrigo Vicencio Obra: El progreso del Cuerpo (serie) Técnica: Dibujo, grafito y polvo de oro sobre papel koraline El artista Rodrigo Vicencio, quien reconoció que su trabajo se articula a través del dibujo, dijo: “No creo en el dibujo como una construcción conceptual, sino como una expresión del cuerpo. Es un modo gestual de comunicarse con las cosas y establecer un lenguaje propio que es el dibujo. Para mí, el cuerpo tiene un valor simbólico muy importante, siento que el cuerpo y la luz son los dos modos en que aparece el ser humano”, dijo el dibujante, quien además confesó que con su obra intenta, al igual que Leonardo da Vinci, representar el cuerpo en sus distintos contextos: “el cuerpo mediático, el obsceno, el grotesco, el bello o el sutil, todo eso se puede ver en mi trabajo”. Artista: Sergio Abarca Obra: De la serie aromas (2014) Técnica: Dibujo al óleo “No creo que sea una innovación, sino que retomo muchas técnicas”, resumió el pintor Sergio Abarca, quien presenta distintas obras de hiperrealismo, “las cuales creo con texturas y colores pertenecientes a alguna técnica”. Respecto a esto, abundó: “Un ejemplo es que puede parecer que pinté con óleo, que es una técnica muy recurrida, pero lo que utilizo en realidad son ceras con pigmentos. Así es como igualo esa textura”. Además se declaró entusiasta de crear pinturas que al ser vistas de cerca se aprecien las manchas consecutivas que en conjunto y a la distancia, hacen aparecer las figuras y formas bien definidas en el lienzo. “Si nos acercamos a la pieza podemos ver que está hecha con los dedos, porque al fin de cuentas el pincel es una herramienta y no creo que haya mejor herramienta que las propias manos. Sé que hay artistas que no comparten este punto de vista, porque creen que es una aberración no usar los pinceles, pero yo no lo creo así”. Artista: Gerardo Ramos Brito Obra: Del vino tinto (2014) Técnica: Mixta sobre tela y madera “Siempre he pensado que la obra no tiene explicación alguna, sino que lo más importante es lo que el observador siente al ver un color o una forma determinada”, comentó Gerardo Ramos Brito a modo de prólogo, para después referirse en específico a su obra titulada Del vino tinto. “En los viñedos he visto cómo se mancha el piso y las telas por el color que deja la uva, y en eso encuentro muchas cosas que me satisfacen. Por lo mismo, en mi obra que es obviamente una tela, pero que busca ser como una de esas que están en los viñedos en la Toscana. La mancha como símbolo de expresión, como parte de un lenguaje rico lleno de expresiones, de color, de historia, tal como ahora mismo que durante el recorrido dejamos manchas de nosotros mismos y es lo que me gusta observar, investigar y pintar. De este modo logro una pintura más sencilla, directa y plena, que al igual que una mancha se diluirá como la vida misma, hasta lograr la plenitud de la luz”.
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